¿Cuáles fueron las influencias más importantes en sus primeros años de formación?
Creo que la mayoría de los arquitectos hemos tenido a Le Corbusier como una de las principales influencias. También he admirado la obra de Frank Lloyd Wright, Alvar Aalto y Louis Kahn. No puedo decir que haya sido un solo arquitecto…, también estudié las obras de Bernini y Borromini, entre otros. En la historia de la arquitectura se aprende a crear el espacio, donde vivimos y nos movemos, que es el fundamento de esta profesión y lo que la hace diferente de la pintura o la escultura.

¿Tuvo la oportunidad de conocer a alguno de estos grandes maestros?
Cuando era estudiante en Cornell University, Frank Lloyd Wright dio una conferencia y conocí a Louis Kahn en una exhibición en Nueva York. Tratar con ambos fue un privilegio. Con el tiempo, hice un viaje a Helsinki con el objetivo de hablar con Aalto, fui hasta su oficina y desafortunadamente no estaba. Me dijeron que volvía pronto, espere una semana y nunca regresó… ¡me quedé con las ganas!

¿Cuáles fueron las coincidencias del lenguaje que dieron lugar a los “5 de Nueva York”?
El encuentro con los “5 de Nueva York” fue un accidente. Inicialmente, con Peter Eisenman, Michael Graves, John Hedjuk y Charles Gwathmeyreunimos en un panfleto algunos de nuestros proyectos, hasta que se convirtió en un libro. Esto motivó a que el MoMa (Museo de Arte Moderno) nos invitara a una mesa redonda para hablar de la arquitectura que proponíamos.

¿Cuáles de los principios de ese movimiento persisten en su trabajo?
La elaboración de diagramas, dibujos y modelos tridimensionales (maquetas) que inician con el estudio de las formas sólidas y luego van evolucionando a la transparencia. Hacemos muchos estudios previos para llegar a la solución de un proyecto.

Los arquitectos tienen retos personales durante su práctica del diseño. ¿Cuáles ha tenido que asumir en sus proyectos?
En todos los proyectos que hemos desarrollado siempre tenemos presente, de manera consciente, el contexto físico. También tomamos en cuenta consideraciones políticas y la forma en que deben relacionarse con su entorno. En los públicos buscamos generar una relación generosa de brazos abiertos, que privilegia la calidad del espacio para que sea utilizado por mucha gente. En los de vivienda privada esto se hace más difícil, pero de igual manera nos esforzamos por brindar importancia a lo público.

¿Qué retos aún no han sido abordados en su larga carrera?
Los proyectos no construidos.

Sabemos que usted pinta y, en algunas oportunidades, sus obras han sido expuestas. ¿Existe una relación entre sus cuadros y la arquitectura?
No tienen ninguna relación, son actividades independientes. En lo único que podrían ser similares es cuando hago collages…, es interesante observar que los espacios son creados por la superposición de piezas. Allí los espacios son abstractos y bidimensionales.

¿Sus estudios sobre el cubismo influenciaron su arquitectura?
Le Corbusier pintaba en las mañanas y trabajaba en las tardes. Yo trabajo durante la semana y hago collages los fines de semana.
El dibujo arquitectónico de Meier tiene sello propio: se caracteriza porque el borde del proyecto está resaltado con una línea más gruesa, el interior y el contexto están dibujados tenuemente y la naturaleza se expresa desparpajadamente. ¿Usted inventó esa forma de expresión?
Sí. En esa época hacíamos los dibujos con tinta sobre papel mantequilla. Invertíamos muchísimas horas en un plano, por eso lo teníamos que hacer con mucho cuidado y precisión. Borrar un error significaba acudir a la cuchilla de afeitar.

En su trabajo se hace evidente el uso de la cuadrícula. ¿En su proceso de diseño utiliza algún sistema particular para proporcionar?
Cada proyecto tiene su propia cuadrícula y no siempre tienen las proporciones que más me gustan. La cuadrícula que especialmente prefiero es la cuadrada, todos los módulos funcionan de igual manera en planta y alzada, y tridimensionalmente forman el cubo perfecto.

Diseñar proyectos institucionales en centros históricos, como el Museo Ara Paci en Roma y el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona(MACBA), supone un gran reto. ¿Qué consideraciones tiene en cuenta para lograr soluciones de diseño contemporáneas, respetuosas y perdurables?
Procuramos manejar la misma escala circundante con el edificio que diseñamos y privilegiamos el espacio público para generar un diálogo proactivo con los vecinos. Esto se ve reflejado en ambos proyectos: las plazas y las escalinatas son utilizadas permanentemente por la gente.
Usted afirma que la arquitectura es la madre de todas las artes. ¿Privilegia la forma sobre la función?
La función es la estructura de la arquitectura. No se puede diseñar un edificio alto sin ascensor.

Su arquitectura se caracteriza por combinar el color blanco, la luz y el juego entre volumen y vacío. En el diseño de objetos aparecen el negro y materiales como la madera y el acero. ¿Cómo es el paso del diseño de mobiliario y de objetos?
Al diseñar un vaso se deben tener en cuenta diferentes consideraciones: el material, cómo se agarra, su forma, su lenguaje. Los objetos deben ser estéticos y funcionales. Algunos no cumplen con estas consideraciones, por ejemplo ahora me toca usar un horrible bastón de apoyo para caminar…, ¡ese sería el siguiente objeto que tendría que diseñar!

¿De todos sus proyectos tiene algún favorito?
Me gustaría pensar que va a ser el siguiente.

¿Dónde encuentra su inspiración?
En el trabajo en equipo. No se trata solamente de mí. Somos un grupo de personas haciendo el mejor esfuerzo para hacer la mejor labor posible.

¿Qué tipo de música escucha?
Música clásica, principalmente las sinfonías de Beethoven. También Brahms y Bach.
¿Colecciona libros, arte o música?
Libros.

¿Qué hace en su tiempo libre?
Jugaba al tenis, ahora solo hago collages.

¿Qué proyectos le gustaría diseñar?
Me encanta diseñar museos. Mostrar y ver exhibiciones de arte, crear lugares donde la gente se reúna a disfrutar de la apreciación visual y cultural. Todos los museos son diferentes, la localización tiene que ver directamente con el ingreso de la luz.

¿Cómo ubica su arquitectura con respecto a las actuales tendencias?
No puedo decir que haya arquitectura en un solo lugar, hay excelentes propuestas en Latinoamérica, Estados Unidos, Europa y Asia. La buena arquitectura debe tener una estrecha relación entre la planta, la fachada y el contexto del uso. Debo admitir que en la actualidad existe una gran cantidad que no guarda esa dinámica, y el resultado es solo una fachada.

¿Existen proyectos o arquitectos actuales que despierten su interés?
He visto muchas fotos de proyectos que se ven interesantes. Desafortunadamente no viajo tanto como antes para poder visitarlos y comprobarlos. Al final la arquitectura debe ser experimentada.

Vivimos en un mundo tecnológico y globalizado, donde todo pasa muy rápido. Convivimos con buen y mal diseño. ¿Cómo visualiza el futuro? ¿Qué les recomendaría a las próximas generaciones?
Cada generación tendrá que enfrentar los retos del momento. No podría recomendarles que hagan una cosa u otra, o que sean arquitectos, políticos o abogados.
¿Considera que creó un lenguaje particular?
Eso no lo puedo juzgar yo.

RICHARD MEIER

Nació en Nueva York en 1934. Estudió arquitectura en la Universidad de Cornell (1963).

Ha sido galardonado con infinidad de reconocimientos. Recibió el premio Pritzker en 1984, la Medalla de Oro de la AIA (American Institute of Architects) y del Royal Institute of British Architects, así como el Premio Imperial de la Japan Association.

Entre sus proyectos se destacan la casa Smith (1965-1967), construida en Darien, Connecticut; el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA); el Museo Ara Paci y la iglesia del Jubileo, ambos ubicados en Roma, y el Getty Center, en Los Ángeles. Ha diseñado mobiliario para Knoll y objetos para Alessi, entre otros. Próximamente realizará su primer proyecto de vivienda en Colombia, al norte de Bogotá.